Wim Wauman est un artiste visuel aux multiples facettes, un éducateur artistique et un auteur. Il a étudié la photographie à l'Académie royale des beaux-arts d'Anvers et à l'Institut supérieur des beaux-arts (HISK), et expose ses œuvres depuis 2000.

En décembre 2019, il a conclu son projet de recherche Making Waves : A Play with Arts and Crafts sur les notions d'" arts " et d'" artisanat " (et l'opposition apparente entre " faire " et " penser "), et s'est vu décerner un diplôme de " PhD in arts " par l'Université d'Anvers. Ses recherches artistiques l'ont amené à développer un concept expérimental et complexe, baptisé "Blauwhaus". À première vue, il s'agit d'une installation/exposition conçue pour accueillir, "connecter" et collaborer avec d'autres artistes, fabricants et penseurs, mais aussi d'une "zone crépusculaire" fantasmagorique créée pour induire un état de "flux" (créatif) accru et stimuler les forces imaginatives. L'aventure a déclenché un flux de pensées associatives exprimées par de longs textes et des vers hermétiques et codés, ainsi que par l'expérimentation du principe jungien de "l'imagination active".

Jolijn Baeckelandt est née à Ostende, travaille et vit à Anvers. Jolijn est un artiste visuel qui travaille avec le dessin, la peinture et des situations spécifiques au site.

Jolijn Baeckelandt génère une simulation avec des figures, des objets et une imagerie communs liés à notre vie quotidienne, ceux-ci sont dépouillés de leur chasteté. Les figures et les objets représentés semblent épuisés et épuisants. Ils semblent déséquilibrés, indécis, mal à l'aise et donnent l'impression d'être constamment sur le point de faire quelque chose. Prendre ce qu'ils peuvent obtenir dans un état de folie. Soumis à la répétition, ils se manifestent sur la toile. Grâce à l'utilisation d'informations communes et quotidiennes, nous collectons, à travers nos routines partagées, un système de caractères et de symboles développé comme une iconographie et un lexique.

Des éléments dérivés de la haute et de la basse culture sont accumulés avec des éléments de son expérience personnelle et de ses perspectives. Les influences du street art, de la culture pop, des phénomènes sous-culturels et des dessins animés sont fusionnées en les abordant de manière égale et humoristique. Avec une conscience sensible, un univers est construit dans lequel la sphère personnelle, la sphère ordinaire et la sphère fictionnelle se réunissent pour danser.

La réflexion sculpturale de Simon Masschelein part de l'articulation. Il fabrique des sculptures articulées. Comment en est-il arrivé là ? À une époque, il était entouré de pièces de bois, qui ne dépassaient jamais un mètre et demi de long, joliment façonnées, et c'est à partir de là qu'il a commencé à envisager des sculptures plus hautes, ressemblant à des totems empilés et délabrés. Il a donc commencé à chercher des moyens de relier ces éléments, d'abord de la même manière que les prothèses sont reliées au corps, puis en les transformant en charnières. Une sculpture a été conceptualisée à partir d'un genou, une autre à partir de la façon dont un fémur s'adapte au bassin. Une sculpture, faite de quarante kilos d'albâtre sculpté, est maintenue en position verticale par un câble tendu auto-riveté à une boule de fer qui est fixée dans un support. Une étrange figure en deux parties, sur deux pieds bancals donnant forme à un modeste contrapposto, se plie parfois en avant. Un tronc d'arbre est ciselé en une colonne en spirale, puis évidé, coupé en deux et reconnecté par un lien en bois. Pour moi, la beauté de l'art de Masschelein réside dans la façon dont il adapte le bois, la pierre et le métal et combine ces éléments en de nouvelles formes. Pas d'assemblages, pas de vieux trucs, mais de nouvelles œuvres puissantes avec une tendresse à peine cachée. ( texte Hans Theys )

Fran est une sculptrice diplômée de l'Académie des Beaux-Arts d'Anvers en 2020.

Elle a grandi dans le monde agricole, entourée d'objets ancestraux que -son grand-père et son père- et plus tard elle ont collectionnés, de chariots élévateurs et de diverses machines agricoles qu'elle manipule avec grâce, aisance et légèreté.

Son atelier est situé dans la ferme familiale à la retraite en Flandre occidentale, un grand domaine avec des prairies, des champs, un étang, des arbres, des animaux et des écuries. Bienvenue à Ludwigshaven, l'endroit où Fran récolte son propre monde vivant.

Fran Van Coppenolle crée des sculptures à partir de formes et d'objets qu'elle observe. Elle soude du métal, sculpte du bois, soude, plie et crée des volumes surprenants avec des morceaux de textile trouvés. Ses sculptures évoquent des fleurs, des papillons, des oiseaux et des machines volantes, non pas par intention, mais à la suite d'un travail de duplication pour arriver à des formes sculpturales.

En même temps, elle recherche de subtiles asymétries qui semblent donner vie à ces délicates apparitions sculpturales. Les œuvres de Fran prennent une dimension supplémentaire car elles sont figuratives et méconnaissables. Elles permettent une multitude d'interprétations possibles. Des matériaux étonnamment frais sont mis sous tension, tendus, tressés, harnachés, attachés ensemble jusqu'à ce qu'ils commencent à former des objets intangibles, incompréhensibles et captivants.

De belles créations qui jettent des espaces de respiration dans le monde sans demander la permission à personne.

(texte Sabrina Brachot)

Kim Wey vit et travaille à Anvers. Son travail se concentre principalement sur la recherche de sa propre identité, qui ose entrer en conflit avec l'image idéale du monde du spectacle et de l'élite artistique qu'elle veut également satisfaire. Enfant de l'Internet pendant la décennie Kardashian, elle est farouchement inspirée par la culture pop occidentale. Ses installations et ses performances sont donc un jeu entre le canon classique et la scène contemporaine d'auto-identification autour de l'humeur et du style de la culture des médias sociaux.

2023 Vogels, group exhibition, Pizza Gallery Antwerp.

2022 A kiss is an imprint, group exhibition, D.E.K.A.M.E.R.E.D Antwerp

2022 It’s not about me, it’s about ART, solo exhibition, Ensemble vzw Gent

2022 1+1+1+1+1=>5, group exhibition, Desserts Gallerie Hasselt

2022 Vitrine #2, duo exhibition, Veduta Brussels

2021 Een goddelijke interventie, duo exhibition, Factor 44 Antwerp

Hantrax est le pseudonyme du compositeur, interprète et pianiste anversois Han Swolfs (1984). Réputé pour ses performances électroniques en direct et ses productions scéniques imaginatives au piano, ses spectacles sont cinétiques, atmosphériques, hypnotiques et cinématographiques. Un musicien aux multiples facettes, à la fois énigmatique et aimable. Hantrax traverse les catégories musicales avec une facilité déconcertante, du classique au jazz en passant par la musique électronique expérimentale.

En tant que compositeur, sa musique est expérimentale dans son esprit, prenant des influences apparemment incompatibles et les mélangeant dans un langage musical qu'il a lui-même inventé. Il brise les règles des genres, croisant les styles à volonté dans son œuvre de musique de danse sombre et "non dansante". Ses compositions ingénieuses réimaginent les formes standard. Les technologies anciennes et nouvelles font partie intégrante de son processus, explorant les possibilités des systèmes analogiques et numériques, des machines à musique et des systèmes d'enregistrement. musiques innovantes de toutes catégories.

Travaillant à l'intersection des arts, Hantrax a été impliqué dans de nombreuses collaborations et productions créatives. Il a notamment travaillé avec les artistes visuels Anne-mie van Kerckhoven, Pieterjan Ginckels et Arocha - Schraenen, et s'est produit en tant que soliste pour la compagnie théâtrale Abattoir Fermé et pour l'orchestre classique de Michiel De Malsche.

Jordi Colomer est né à Barcelone, en Espagne. Il vit et travaille actuellement entre Barcelone et Paris. Son travail, marqué par un fort sens de la sculpture, englobe de multiples disciplines, notamment la photographie et la vidéo, et leur mise en scène dans l'espace d'exposition. Souvent, la création de situations d'une sorte de "théâtre élargi" permet au spectateur d'évaluer sa relation avec les représentations et avec le rôle qu'il joue dans et devant celles-ci.

Les œuvres les plus récentes présentent les multiples facettes de l'utopie, de la dystopie et de leur relation avec la fiction. Join Us, le projet pour le pavillon espagnol à la 57e Biennale de Venise, était une récupération du nomadisme comme mouvement collectif et matériau privilégié appliqué aux utopies urbaines.

En 1981 Juli Susin (né en 1966) quitte l'Union Soviétique avec sa famille pour s'installer à Berlin, puis les contingences de la situation d’apatride l'amènent en France où il sera diplômé de l’Ecole des Beaux-Arts de Paris en 1991.

A partir des années 1980, il développe avec des ami(e)s un réseau international de collaborations autour du livre d'Artiste, plus récemment connu sous le nom de Royal Book Lodge. L'histoire de ces activités collaboratives, initiées avec l'artiste française Véronique Bourgoin, est écrite par l'historien John C. Welchman, et publiée sous le nom de « Royal Book Lodge », aux éditions Hatje Cantz, en mars 2023.

Depuis 2005, il travaille à Albisola (Italie), dans l'atelier de céramique fondé par Ivos Pacetti. Des œuvres de céramique réalisées ces dernières années ont été inspirées par les nombreux séjours de l'artiste au Paraguay.

Une partie des œuvres a été présentée en 2013, dans le musée Oscar Niemeyer, dans le cadre de la biennale de Curitiba, Brésil.

Photo credits : Juli Susin, New-York, Hotel Larchmont 2019 (Photo: Véronique Bourgoin)

Véronique Bourgoin née à Marseille vit et travaille à Montreuil , France. Elle est diplômée de l’école des Beaux-Arts de Paris en 1991.

La pratique de Véronique Bourgoin se construit à partir d’une série d’expérimentations du support photographique avant de se prolonger dans une multiplicité de medium tels que l’édition, le dessin, la peinture, la céramique ou encore la vidéo et l’installation. Le caractère expérimental de sa pratique se déploie autant par la manipulation d’éléments physiques, chimiques que psychiques, mettant en lumière les effets transformationnels de la vision et de l’imagination et en particulier les effets spectaculaires dans des contextes contre spectaculaires où s’enchevêtrent intime et simulacre. Inspirée autant par son quotidien, que par des contingences politiques, technologiques ou historiques, Véronique Bourgoin examine la construction de « paradis contemporains » déployée à partir d’une trame de questionnements récurrents sur la matérialité, le corps, le vivant, l’identité et ses modes de représentations face au conflits de notre époque.Les expériences collaboratives sont intrinsèques à sa démarche artistique et sa relation au monde. A partir de la fin des années 80, elle initie avec Juli Susin un projet collaboratif autour de la création de livres d’artistes. L'histoire de ces activités réunies sous le nom « Royal Book Lodge », fait l’objet d’un livre de l'historien John C. Welchman, publiée aux éditions Hatje Cantz, en mars 2023.

En 1995, elle co-fonde avec J. Susin, l’Atelier Reflexe, école expérimentale de photographie (1995-2016). Elle crée en 2005, un groupe de performeuses The Hole Garden, une identité collective à l’origine d’actions performatives, de films et séries de photographies.

Véronique Bourgoin à participé à de nombreuses expositions dans des institutions et festivals internationaux tels que Fotohof, Salzbourg ,Performa, New Museum, New-York ; Photo Festival Landskrona, Suède ; Fotomuseum, Rotterdam ; Tütün Deposu Ek bina, Istanbul ; Caochangdi Photospring Festival, Chine; LA Art Center, Los Angeles ; Musée d’Art Moderne de Saint Paulo, Bresil ; El Laboratorio Arte Alameda de Mexico ; Maison d’Arts Bernard Anthonioz, Paris ; Biennale de la photographie de Thessalonique, Grèce ; Oscar Niemeyer Museum, Curitiba Biennial, Brésil.

Liv Bugge a étudié à l'Académie nationale des arts d'Oslo et à l'Institut supérieur des beaux-arts de Belgique. Elle a terminé son doctorat, "The Other Wild : Touching Art as Confrontation", à l'Académie nationale des arts d'Oslo en 2019. La recherche de Bugge explore comment les mécanismes de la société sont intériorisés et contribuent au maintien de notions normatives et d'éthique autour, par exemple, de dichotomies telles que la vie et la non-vie ou l'humain et la nature. Liv a une pratique informée par des perspectives queer et féministes et a dirigé la plateforme FRANK avec l'artiste Sille Storihle pendant la période 2012-2020.

Bugge a eu des présentations solos, entre autres, dans les lieux suivants : Marabouparken Konsthall à Stockholm, Kunstnernes Hus et Musée interculturel à Oslo, et Sørlandets Kunstmuseum à Kristiansand. Elle a présenté son travail à la Biennale internationale d'art contemporain de Göteborg.

Elle a participé à la Biennale de Venise 2022 "The Milk of Dreams", commandée par Cecilia Alemani, invitée à participer avec son œuvre « Play".

Jack Davey vit et travaille à Londres

Travaillant principalement comme sculpteur sur des textiles, Davey a exploré les médias numériques, le son et le collage dans le cadre de ses installations plus importantes.

Dans son travail, Jack tente de capturer les énergies et les émotions au sein d'une structure solide et s'interroge sur la manière dont on peut insuffler ces qualités à un objet inanimé.

L'expérimentation matérielle, la recherche théorique et des thèmes tels que la frustration et le désir sexuels, la colère, le comportement, l'anatomie humaine, le subconscient, la mémoire et les messages cachés sont autant de moyens d'investigation. Fondamentalement, Jack vise à disséquer, analyser et reconstruire ces éléments pour créer un nouveau langage sculptural. Une conscience contenue dans un objet.

Au cours d'une résidence d'un mois au Tessin, en Suisse (mai 2022), Jack a développé un corpus d'œuvres entièrement réalisées en papier parcellaire. Il a abouti à deux installations interactives de taille réelle intitulées Dirty Room. Ces installations ont été complétées par des dessins, des collages peints et des vidéos.

Dans la foulée, Jack a récemment célébré l'ouverture de sa dernière exposition solo In Bulge au Casstl d'Anvers, en Belgique (novembre - décembre 2022). Une exposition qui affine les concepts, la matérialité et les questions d'impermanence examinés durant cette période. Cela a été fusionné avec l'effort de Jack pour geler l'énergie et imprégner les objets de certitude et de conscience immobiles.

Tamara Beheydt est historienne de l'art et rédactrice indépendante. Elle fait partie du groupe principal de rédacteurs du magazine H ART et publie fréquemment des contributions pour d'autres médias écrits tels que Openbaar Kunstbezit Vlaanderen et De Tijd. Elle rédige des textes d'exposition ou des textes de portfolio pour des artistes et intervient occasionnellement en tant qu'oratrice lors de tables rondes, de conférences ou d'exposés d'artistes. Convaincue de la valeur de l'art contemporain pour la communauté humaine, elle s'engage à fournir une plate-forme de soutien aux discours artistiques et à maintenir une vue d'ensemble critique des développements dans le domaine culturel.